Kernbotschaft, überlagert – „Le Roi Arthus“ an der Oper Frankfurt als Plädoyer für Ernest Chausson

Trotz fundamentaler Finanzierungsprobleme ist Loebe kunstpolitisch letztlich in der Position, alles wagen zu können. Auf die Frage, warum er nach Brüssel und Erl nun auch in Frankfurt erstmals Ernest Chaussons eher selten gespielten „Roi Arthus“ aufführen lässt, antwortet er: „Weil das Werk eine Bedeutung für unsere Tage hat!“

Das hätte das Bühnenteam um Regisseur Manuel Schmitt konzentrierter vorführen sollen. Jetzt gab es zur Einstimmung die keltische Tageszeit mit „Gwarw-Namorn-Cyfuos-Nos…“ sowie je eine Strophe aus Heledds Klagelied „Die Halle von Cynddylan“ aus dem 9. Jahrhundert auf dem Zwischenvorhang. Doch dann öffnete sich die Szene zur Vernissage in einem hypermodernen Wissenschaftslabor an einer britischen Steilküste mit Blick aufs Meer (Bühne: Bernhard Siegl). Von einer Society in Abendkleid und Smoking wird das Einlagern von Schwert Excalibur, Schild Pridwan, später dem Gral-ähnlichen Kelch in edlen Vitrinen bestaunt und gefeiert – alles geleitet von einem steril weiß gekleideten Wissenschafts-Ärzte-Team, das auch Arthus, Lancelot, Mordred, Lyonel – und beifallsumrauscht – den Auftritt von „Lady Geniévre“ in großer Robe betreut. 

Ein Lichtwechsel gleichsam zur Innenperspektive begleitet die vergebliche Beschwörung von Merlin durch Arthus. Im von Felswänden begrenzten Zentralraum läuft dann die Liebes-Ehebruch-Neid-Kampf-und-Tod-Handlung ab. Dazu pflegen die Wissenschaftler im Hintergrund einen verdorrenden, nur noch an einem Ast tragenden Apfelbaum. Ohne fundamentalen Wechsel der Atmosphäre gleitet später auf einer gleichsam schwimmenden Insel mit dem brennenden Apfelbaum ein Wesen herein, dessen Naturverwurzeltheit aus seinem Kopf wachsende Zweige signalisieren: Der Zauberer Merlin, der vom kommenden Ende berichtet und davongleitet – ein Fremdkörper, kein „Spin doctor“ für einen Mächtigen. Die heikelste Szene des Werkes – dass sich Geniévre mit ihrem langen Haar selbst erdrosselt – führt Regisseur Schmitt realistisch vor, lässt die Tote dann aber aufstehen und hinter den hellen Rückvorhang abgehen. Über-aufwändig ist gegen Ende eine Notaufnahme für den sterbenden Lancelot gestaltet, mit LED-Operationsstuhl, Beatmungsgerät „usw. usf.“ – um das wegzuschaffen für die alles überstrahlende Schlussszene muss sich das breite Bühnenpodest teilen und zu den Seiten wegfahren, um im leeren schwarzen Raum die finale Gloriole mit dem Gang von Arthus in eine Art verglühende Sonne zu ermöglichen. Szenisch also stilistisches Vielerlei ohne Zentrum.

Dabei wären gerade für unsere Tage packende Inhalte zu inszenieren: zu Sätzen wie „Die Vergangenheit lässt sich nicht auslöschen“, „Das Übrige ist nichts als ein verworrener Traum“, zu einem Zentrum dann „Warum bin ich nicht der gewesen, der ich hätte sein können!“ – und alles überstrahlend die Schlusshymne: Ruhm und Wiederkehr verdient, nur „an das Ideal geglaubt zu haben – D’avoir cru dans ideal!“ – das hat Regisseur Günter Krämer einst in Bregenz in das unvergessliche Schlussbild gefasst, dass Merlin zur triumphalen Musik den zerbrochenen „Runden Tisch“ wieder zusammenbaut. Zu all dem leider keine humane Botschaft in Frankfurt.

Fesselnder, teils überwältigender Trost kam aus dem Orchestergraben und von den Stimmen. GMD Thomas Guggeis widerlegte mit dem glänzend aufspielenden Opern- und Museumsorchester bisherige Chausson-Etiketten: also weg von „Impressionismus“, „Debussy-Zeitgenosse“, „Französisches Klang-Parfum“. Schon mit dem hochdramatisch aufrüttelnden Vorspiel, in allen Zwischenspielen wurde der Musikdramatiker Chausson hörbar: Ja, er hat viel von Wagner gelernt und in Bayreuth „erhört“ – aber er hat jenseits seines eigenen streng idealistischen Lebenszuschnitts künstlerische Gestaltungskraft besessen und auskomponiert: für typisch männliche Neid-Rivalität, zweifelndes Ringen, grenzüberschreitende Liebesleidenschaft, abgründiges Leiden bis zur Selbstaufgabe – und final zum hymnisch-choralhaften Leuchten eines „Ja, Größe besitzt nur das Dennoch! gegen alle Widrigkeiten!“ – also das Festhalten an einem utopisch erscheinenden Besseren als … All das stieg aus zarten Momenten auf zu kraftvollem Klangimpetus, rauschte emotional aufschäumend und toste strahlend – ein Werk, das sich neben Wagner und Richard Strauss einordnet.

Darüber darf nicht unerwähnt bleiben, dass große Stimmen angebracht sind – dass „Tristan“- und „Rosenkavalier“-Niveau vokal leuchten muss – und Frankfurt für 18 Partien nur zwei Gäste benötigt. Neben der Bariton-Grandezza von Domen Križajs Arthus und der sehr fraulich-dramatischen Soprankraft von Magdalena Hinterdobler mussten sich nur Gast Thomas Blondelle als Liebesglut und Dramatik vereinender Lancelot-Tenor und ein Nebenrollen-Tenor in ein perfektes Ensemble einfügen – tutti bravi! – umrauscht vom extra-verstärkten Chor (Einstudierung: Manuel Pujol) und der von Guggeis in all ihrer Größe einstudierten und belebten Musikdramatik Ernest Chaussons.