Expressionistisches mit fünf Komponisten

Peter Eötvös dirigiert das Ensemble Modern Orchestra auf einer Tournee


(nmz) -
„Nicht bauen, sondern ‚ausdrücken’!!” beschrieb Schönberg seine Absicht in einem Brief an Busoni im Jahr 1909. Es war das Entstehungsjahr von vieren seiner „Fünf Orchesterstücke“ op. 16, mit denen Schönberg die klassische tonale Tonsprache ablöste und durch freie Atonalität eine expressionistische Phase einleitete, die den Weg in die Zukunft öffnete. Zusammen mit Schönbergs „Variationen für Orchester“ op. 31, dem ersten dodekaphonischen Orchesterwerk des Komponisten von 1928, das gerade die Entformalisierung gleichsam wieder untergräbt und sozusagen nur noch „baut“, bildete das Programm des Ensemble Modern Orchestra eine stimmige Klammer um die drei Uraufführungen, die im Zentrum seiner Konzerttournee standen. Dem Dirigenten Peter Eötvös ist es zu verdanken, dass diese Konzerte in Berlin, Fankfurt, Paris oder Luxembourg stattfinden konnten: In freundschaftlicher Verbundenheit hatte er sich kurzfristig bereiterklärt, für den erkrankten Pierre Boulez einzuspringen. Die uraufgeführten Werke der Komponisten Bruno Mantovani, Jens Joneleit und Johannes Maria Staud stehen auf jeweils unterschiedliche Art im Zeichen eines expressionistischen Stils, der den Leitfaden des Programms abgab. Anklänge an eine expressionistische Epoche waren etwa in Bruno Mantovanis Komposition „Postludium“ zu hören, einem Anschlusswerk an seine Oper über das Leben der russischen Dichterin Anna Achmatowa. Wilder Aktionismus und Introspektion sind die zwei Pole, die der Komponist zu vereinbaren sucht. So lässt er unter einem entschlossenen rhythmischen Grundtonus evokative Linien in Flöte und Akkordeon mit forcierten solistischen Eruptionen von Klarinette und Perkussion zusammentreffen. In radikalem Gegensatz zu Schönbergs expressionistischer Gestik überwiegt hier wie auch in Jens Joneleits Komposition das Triebhafte unter den expressionistischen Stilmitteln, das immer auch mit einem gewissen Kraftakt verbunden zu sein scheint.
Ein Artikel von Barbara Eckle

Das Neuartige der uraufgeführten Werke tritt im Paradoxon der Reflexion des expressionistischen Stils zutage, was im Falle von Joneleits Komposition „Dithyrambes“ sich hauptsächlich im Schaffensakt selber vollzieht. Der Titel des Werks ist Programm: Ein Dithyramb bezeichnet einen gesungenen, getanzten Hymnus für Dionysos, den griechischen Gott der Ekstase und der Fruchtbarkeit. Das Stück besteht zunächst, wie der Komponist beschreibt, aus einer total freien, im Nachhinein niedergeschriebenen Improvisation, die er zusehends verändert, daran seinen „Hörblick“ schärft und es in Richtung Form führt. Diese endgültige Form ist von solch aufgeladener Intensität, dass selbst die Pausen, die Klangblöcke abrupt trennen, eine hochaktive Wirkung haben. Auf dem Weg vom Medium zum Konstrukt lässt der Komponist sogar äußere Schaffenskräfte mitwirken, indem er das Orchester in den Kompositionsprozess eingreifen und die Instrumente über ihren bestimmten Funktionsbereich hinaus einsetzen lässt. Das Stück wird somit erst bei der Probe vollendet. Es zeichnet sich dabei ein interessantes, für die Musiker herausforderndes Entstehungsphänomen ab, wenn auch der Spontaneitätsfaktor schließlich gezwungenermaßen verlorengeht und in eine Art hybride Form mündet, die Freiheit gleichzeitig fordert wie verhindert. Der frische, unabhängige Solistengeist des Ensemble Modern kam der Aufführung dieses Werkes sicherlich zugute.    

Eine konkrete Inspirationsquelle liegt dem Werk „Contrebande (On Comparative Meteorology II)“ von Johannes Maria Staud zugrunde; nämlich das Werk des polnisch-jüdischen Visionärs Bruno Schulz und dessen phantastisch-expressionistischen Kindheitserinnerungen. Ohne in eine konkrete Bildsprache abzudriften, gelingt es dem Komponisten, ein Innenleben mit der Wahrnehmung eines Kindes, wie es scheint, zu spiegeln, in dem alles so vertraut wie auch bedrohlich klingt: Perkussionsklänge changieren zwischen Glockenspiel und Scherbengeklirr wie wiederkehrenden absteigenden Glissandi der Streicher - sie suggerieren gleichsam Boden- und Kontrollverlust. Es entsteht eine Welt als Sog, aus dem es kein Entrinnen gibt.

Eine rechte Offenbarung war Eötvös’ Interpretation von Schönbergs Variationen für Orchester op. 31, für die er in diesem Ensemble von hochmotivierten und hochkonzentrierten Solisten den idealen Partner zu haben schien. Durch das zügig gewählte Grundtempo entstand eine Stringenz und Dichte, die komplexe kompositorische Strukturen als erfassbare Einheiten freizulegen vermochte. Auch wenn Schönberg seine Musik nicht auf Schönheit, sondern Wahrheit angelegt hatte, so war es in dieser Realisation doch möglich, auch die Schönheit einer klaren Klangsprache zu erleben, nicht zuletzt dank Eötvös’ Verzicht auf eklatante Effekte bei gleichzeitig freiem, frischem Umgang mit dem rigiden Konstrukt.

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